El cine humanista de Laurent Cantet

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En Ressources humaines (Recursos humanos, Laurent Cantet, 2000) Jalil Lespert interpreta a Frank, hijo de obrero y estudiante de empresariales, que vuelve a su pueblo natal de Normandia para hacer las prácticas en la misma fábrica que su padre, pero en la sección de Recursos Humanos, donde tiene la función de servir de puente entre la dirección y los sindicatos en la negociación para la reducción de la jornada laboral.

Sin embargo un día descubre accidentalmente que existe un plan de re-estructuración de la empresa en el que se contemplan 12 despidos, entre ellos el de su padre. Frank se lo comunicará a los sindicatos, que comenzarán una huelga.

Hay una escena (en la imagen de arriba) particularmente significativa del conflicto en la relación padre/hijo, el tema dominante de la película. Durante la huelga Frank se encuentra con su padre, que ha aceptado su despido y sigue trabajando como si nada, y en un monólogo acusador le recrimina su pasividad y la vergüenza que siente de ser hijo de obrero, pero más aún, la vergüenza que siente de haber sentido vergüenza. “¡Esta vergüenza me la has inculcado, tú!”, le dice gritando.

Esta ejemplar escena de la primera película de Cantet resume muy bien su cine. En este, además de los conflictos paterno filiales, los de la lucha de clases (en L’Emploi du Temps (2002) o en la misma Ressources Humaines) o los de profesor/alumnos (en La Clase (2008)), siempre hay una base de guión de ficción fuerte pero que toma prestado mucho de la realidad, de lo cotidiano.

La ficción flirtea con lo real, se viste de ella. Muchas veces los diálogos son modificados en rodaje por actores tanto profesionales como no profesionales. Jalil Lespert es hoy uno de los mejores actores de Francia pero el que hace de su padre, Jean-Claude Vallod, no ha vuelto a trabajar en el cine y en cambio, es impresionante en la escena mencionada, cuando humillado por su hijo rompe a llorar y apaga la máquina totalmente abatido.

En Foxfire, que está actualmente en cartelera, también ocurre algo parecido: un grupo de chicas adolescentes deciden no pasar ni una en la sociedad americana machista de los años 50 y montan una banda en la que imperará el compañerismo y la fidelidad. Ninguna de las actrices que yo sepa son profesionales pero trasladan, en interpretaciones muy convincentes y magistralmente dirigidas por Cantet, todo el humanismo de sus personajes.

 

Todo el mundo lo sabe y los #littlesecretfilm

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He pasado este fin de semana en Madrid porque el pasado jueves 26 se proyectaba 160 metros en la Taberna Alabanda dentro de la 11ª Muestra de cine de Lavapies y SGAE en Corto programaba 3665 en la sala Berlanga el viernes 27. Se ha demostrado que las películas de “numeritos”, que diría Izaskun Arandia, siguen teniendo una buena acogida allí donde se proyectan.

Además el sábado, el director de cine Miguel Larraya (en la foto el segundo por la izquierda, entre Pablo Maqueda y los actores Bárbara Santa-Cruz, Diego Toucedo y Luis Blanco) nacido en Gasteiz pero afincado desde su infancia en Madrid, estrenaba su película Todo el Mundo lo sabe en la Cineteca del Matadero de Madrid dentro del marco de los #littlesecretfilm, un proyecto de ejercicio cinematográfico creado por Haizea G. Viana y Pablo Maqueda a principios de 2013 y basado en un modelo de producción low-cost, limitando el rodaje a tan solo 24 horas ininterrumpidas, sin guión dialogado previo (con lo que los actores deben improvisar sobre las pautas marcadas por el director en cada una de las secuencias) y así hasta 10 normas que conforman los #littlesecretfilm, cuyo decálogo se puede ver aquí.

Todo el mundo lo sabe gira en torno a una trama de escuchas relacionadas con un caso de corrupción en la que solo escuchamos a los personajes periféricos y no a los directamente implicados. Como indicó Miguel Larraya (Larry para los amigos, como nos lo recordó la actriz Bárbara Santa-Cruz) en el coloquio posterior, al contrario de la obra maestra de Francis Ford Coppola La Conversación (1974), película por la que siente una gran admiración, se planteó la premisa de dar voz a los escuchados más que a los que escuchan.

Rodada con dos cámaras Canon 5-D, Todo el mundo lo sabe tiene momentos álgidos en las improvisaciones de todos los actores, además de una fotografía y un sonido en sintonía, nunca mejor dicho, con el propósito de la película; que no sería el de darnos todos los elementos de la trama corrupta, sino el de mostrarnos esa atmósfera de las escuchas.

Está producida por Llanero Films (Fernando Lueches), por Calle 13 y por #littlesecretfilm, y supone en definitiva un interesante ejercicio cinematográfico para directores emergentes. En absoluto se trata de un nuevo modelo de producción, ya que se sustenta en que nadie cobre, y eso imposibilita poder vivir de esto. Como ejercicio es muy válido, repito, pero para mí es un medio y no un fin.

Gracias a él, Miguel Larraya ha demostrado tener capacidad como director, tanto técnicamente como dirigiendo actores, y ha conseguido en cierta forma sobreponerse a su debut en el largometraje (Afterparty (2013)), que no fue quizá la opera prima que de él se esperaba, después de sus interesantes cortos Estocolmo (2008) y Para no dormir (2010).

Tenemos una gran cantera de guionistas y directores de cine de género. Es el momento de que se apueste por gente como Larraya para que pueda hacer sus siguientes películas con las mejores condiciones de producción posibles y para que que podamos seguir llamando a esto industria.

Esta noche se estrena Todo el mundo lo sabe en Calle 13 a las 00:15.

La fiesta de la música del 2009

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París, 21 de junio de 2009, fiesta de la música. En la vida hay días que nunca se olvidan y este fue uno de ellos. Presentaba mi primera película (Zu Zara Nagusia) en la sala Reflet Medicis y tuve el privilegio de contar con Jose Antonio Nielfa, La Otxoa, que actuaba por la noche en un concierto titulado “En la puta rúe”.

Pensé que sería divertido tener a uno de los precursores del movimiento Gay del Estado hablando con pasión… de fútbol. Y realmente se emocionó recordando ante el auditorio que él pudo llegar a ser jugador profesional del Athletic “… si no llega a ser porque nací folclórica”.

Durante el concierto mis amigos franceses disfrutaron de lo lindo con un repertorio de coplas y ritmos bailones, sobre un fondo de música pregrabada, interpretado por un hombre con peluca rosa, ajustado vestido de lentejuelas y zapatos de tacón. Y allí me di cuenta del potencial cinematográfico de la vida de este personaje tan original. José Antonio se ríe con cariño de lo absurdo del destino y te enseña a vivir sin miedo, sin prejuicios ni remilgos, a vivir sin complejos.

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El resultado fue la película La Otxoa, sin complejos que la estrenamos en París un nuevo 21 de junio (2013), en el Ciné Chaplin dentro del Festival Différent (las dos fotos son de aquella tarde), con La Otxoa como estrella invitada al posterior concierto.

Me encanta una escena de Atrapado en el tiempo (Harold Ramis, 1994) en la que Phil (Bill Murray) se lamenta ante sus beodos compañeros de barra de no poder repetir aquel día en que conoció una chica en las Islas Bermudas y que hicieron el amor como nutrias hasta el amanecer.

En mi caso volvería a aquel gran 21 de junio de 2009.

Javi Ibarretxe y el arte del pitching

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El pasado 15 de abril, a la edad de 52 años y en brazos de sus hermanos, falleció el productor bilbaino Javier Ibarretxe. La noticia cayó como un jarro de agua fría en el rodaje de la película Fuego en cuyo equipo estaban el productor ejecutivo Eduardo Carneros, socio de Javi de siempre; el director de arte, Guillermo Llaguno Ibarretxe; dos integrantes del equipo de producción, Ander e Íñigo De la Fuente Ibarretxe, sobrinos estos tres últimos; y un servidor, al que Javi dio una oportunidad de trabajo en la película dirigida por sus hermanos Esteban y Josemi Ibarretxe Un mundo casi perfecto (2011). 

También fue la primera persona del mundo del cine que leyó un proyecto mío, y siempre le estaré agradecido, no porque apostara por el proyecto (Zu zara nagusia), que no lo hizo, sino porque me dijo que estaba aún muy verde, que no estaba muy clara la idea del documental. Y tenía toda la razón del mundo.

No sé exactamente cuáles fueron sus palabras pero fue algo así como “creo que te falta el arte del pitching“, refiriéndose precisamente a que no se sabía bien, después del texto que había escrito, de qué demonios iba la historia.

No le conté nunca a Javi, y me arrepiento ahora, que estando con Eduardo Carneros en la Berlinale, nos vino un productor inglés de Independent Films y nos preguntó por un proyecto que le había pitcheado Javi varios años atrás. El productor inglés lo recordaba años después…

Javi tenía ese don, ese arte de contarte una historia de la forma más atractiva posible. Como él decía, para que al que la escuchara, “se le pusiera dura”. Podía estar disgustado por temas económicos o por problemas de salud, pero Javi nunca perdía la sonrisa. Recuerdo que una vez nos dijo a Asier Guerricaechebarria y a mí, que cuando algo parecía imposible e inalcanzable, “siempre hay que negar la mayor”.

Quizá ninguna de las películas de los Ibarretxe haya sido un éxito de taquilla (sí que lo fue su serie de tv pionera Las memorias de Karbo Vantas), pero gracias a rodajes de películas como Sabotage! se crearon muchos puestos de trabajo y tuvieron un impacto económico positivo en Euskadi.

¿Cuántos productores pueden contar que han sido nominados a los Oscars, que han ganado la Caméra d’Or en el Festival de Cannes y que una de sus producciones fue adquirida en su día por dos estudios de Hollywood: United Artists (Tom Cruise) y Dreamworks (Steven Spielberg)? Creo que muy pocos.

Ahora se está empezando a incentivar atraer rodajes internacionales para que repercuta sobre nuestra economía; para que tengan efectos directos tanto en el empleo del audiovisual, como en el turismo. Si se da esto hoy en día, es en parte gracias a visionarios como Javi Ibarretxe que siempre creyó que cine y dinero no tenían por qué rechazarse.

Esta noche, a partir de las 20:00, en el Cineclub del Evidence Café Teatro, dentro de una sesión especial dedicada a su memoria, se proyectará en exclusiva el nuevo montaje de Sabotage! (Ibarretxe Brothers, 2000), que cuenta con la participación estelar de, entre muchos otros, Santiago Segura, Stephen Fry y Dominique Pinon, tres figuras del cine europeo y tres grandes amigos de los Ibarretxe, como todos los que acudiremos al Evidence a recordar a Javi.

 

Alain Resnais, un cineasta único

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Tiene razón Iker Seisdedos cuando escribe que parece que las redes sociales se estén convirtiendo en un enorme cementerio, en un gigantesco muro de las lamentaciones cada vez que fallece alguien. El lunes pasado me enteré por facebook de que Harold Ramis, el director de Atrapado en el tiempo (1994), una de mis películas preferidas, había muerto a los 69 años. Ayer fallecía la escritora Ana María Foix y hoy Alain Resnais, uno de los grandes referentes del cine francés y del cine mundial.

En este mismo blog Bilbao Me Mata he dedicado unas palabras a la memoria de directores como Arthur Penn o Patrice Chéreau, y también Asier Guerricaechebarria escribió sobre Blake Edwards y el actor Leslie Nielsen.

Precisamente Asier es un gran admirador del cine de Alain Resnais, y si no ha visto toda su filmografía (compuesta por alrededor de 50 entre cortos, largos y documentales) andará cerca. Nacido en Vannes (Bretaña) en 1922, Resnais devoraba cine, libros y cómics desde su infancia y con los 13 años recién cumplidos realiza su primer corto. A los 21, ingresa en la primera promoción de la escuela de cine por excelencia de Francia, el entonces Idhec, hoy conocida como La Femis, de la que era el presidente honorífico de la asociación de ex estudiantes.

En 1950 realiza Guernica en torno al cuadro inmortal de Pablo Picasso. Ya se intuye en este corto documental lo que será la marca de la casa: la importancia y el dominio del montaje. Cinco años más tarde firma la obra maestra absoluta Nuit et Bruillard, un sobrecogedor documental que evoca la deportación y los campos de concentración y exterminio de los nazis.

El comienzo no hace presagiar nada de lo que va a venir a continuación, es la esencia del lenguaje cinematográfico. Vemos un terreno cualquiera y escuchamos la primera frase del guión de Jean Cayrol, narrado por Michel BouquetMême un paysage tranquille… ” (Incluso en un paisaje tan tranquilo). No sabemos que de este paisaje tan anodino y apaciguador vamos a iniciar un viaje, a través de imágenes de archivo en blanco y negro, hacia el horror de las horas más sórdidas del genocidio nazi. Con un metraje de 32 minutos Nuit et Brouillard es una de las películas más duras que he visto en mi vida y una terrorífica muestra de la condición humana.

En 1959 Resnais presenta en el Festival de Cannes Hiroshima mon Amour, con guión de Marguerite Duras, a caballo entre ficción y documental, que le valió el premio Melies (ex aecquo junto a Los 400 golpes de un tal François Truffaut) y tres nominaciones a los Oscars (para el guión, para la actriz Emmanuelle Riva y para la mejor película de habla no inglesa).

En 1966 con guión de Jorge Semprún, realiza La guerra ha terminado que siendo una ficción, coge prestados ciertos elementos de la técnica del documental, como el uso de voz en of. Aquí una muestra del arranque de la película cuando Diego, Yves Montand, tiene que cruzar la frontera de Irun a Hendaia.

[Pequeño inciso: La volví a ver hace poco durante una estancia en Ivry-sur-Seine y me emocioné tanto al ver a Diego yendo a la reunión clandestina con sus camaradas precisamente a la misma calle de Ivry en la que yo vivía, que quise introducir este extracto de La guerra se ha terminado en el documental La Otxoa, sin complejos mientras escuchamos a Yves Montand cantando Bilbao Song… Fue una idea un poco marciana que desechamos rápidamente porque no tenía mucha lógica en la historia, o como decía la montadora, Marina Paugam, era una idea que había aterrizado en paracaídas, es decir, que estaba metida con calzador.]

Por último, On connait la chanson, una comedia musical coral sobre historias de amor y desamor, con guión de Agnès JaouiJean-Pierre Bacri, en el que las letras de canciones populares ocupan el lugar de los diálogos. Gracias al play-back, la voz de los intérpretes de las canciones sale de los labios de los actores y funciona muy bien. Con más de 2,5 millones de espectadores en su estreno en salas de cine de Francia, On connait la chanson es el mayor éxito de público y crítica de Alain Resnais.

Resnais deja viuda a la actriz Sabine Azema, en la foto de arriba. Se va uno de los últimos supervivientes de la generación de después de la Segunda Guerra Mundial aquella de Chris Marker, Agnés Varda (quizá la última que quede) y toda la banda del Cahiers du CinémaJean-Luc Godard, François Truffaut, Jacques Rivette, Claude Chabrol, Eric Rohmer

David Trueba, gran vencedor en los Premios Goya

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El guionista y director David Trueba (en la imagen de arriba junto a su productora Cristina Huete) resultó el gran vencedor de la 28ª edición de los Premios Goya llevándose 6 premios (entre ellos el de mejor dirección y mejor película) con la película Vivir es fácil con los ojos cerrados.

En su libro Diccionario de Cine, Fernando Trueba dice que cuando contempla un cuadro del pintor impresionista francés Pierre-Auguste Renoir piensa en él como en “el padre de” Jean Renoir, y no a este como “el hijo de” aquel, demostrando su gran devoción por el cineasta autor de La bestia humana (junto a Billy Wilder el autor más citado en el diccionario) y opinando que el hijo “ha superado” al padre.

Se puede decir por lo tanto, después de la gala celebrada ayer en el Gran Casino de Madrid, que por un día Fernando fue el “hermano de David”, aunque si nos atenemos tanto a la filmografía de ambos como a sus últimos trabajos, El Artista y la Modelo de Fernando Trueba y Vivir con los ojos cerrados de David Trueba, este último seguirá siendo de momento “el hermano de” Fernando. En mi opinión, por supuesto.

Por otro lado, Las brujas de Zugarramurdi de Álex de la Iglesia fue el film que más estatuillas obtuvo con ocho, todas ellas en categorías denominadas como “técnicas”: dirección de producción, dirección artística, maquillaje, vestuario, sonido, etc. Salvo el Goya a la mejor interpretación de reparto a la grandísima actriz Terele Pávez, uno de los premios más merecidos que yo recuerde.

Vivir… es la historia de Antonio San Román (interpretado por Javier Cámara que se alzó con el Goya a mejor actor después de 6 nominaciones) un profesor que, durante los años sesenta del siglo pasado, en plena dictadura franquista, se sirve de las canciones de Los Beatles para enseñar inglés e inicia un viaje con el objetivo de conocer a John Lennon, en aquel momento rodando la película How I Won The War (de Richard Lester) en Almería.

El Premio Goya a la mejor actriz fue para Marian Álvarez por su rol de Ana en La Herida y el premio a la mejor dirección novel fue a deparar a su director Fernando Franco.

Por último, en esta 28ª edición, que se desarrolló con la ausencia muy recordada del Ministro de Cultura Jose Ignacio Wert (el director Mariano Barroso llegó a pedir su dimisión como se ve en el vídeo de arriba), el presidente de la Academia de Cine Español, Enrique González Macho, criticó duramente la persistencia en el 21% del IVA cultural y dijo una frase que comparto plenamente (y más en estos días): “Hacer una película hoy en día es un auténtico acto heroico”.

La selección USA jugará en Bilbao

Ayer se celebró el sorteo del próximo Mundobasket, presentado por los periodistas de Mediaset Nico Abad y Tania Llasera, y las selecciones del Grupo C (grupo en el que están los EEUU -en la foto su estrella más en forma en la actualidad, Kevin Durant-, además de Finlandia, Nueva Zelanda, Ucrania, República Dominicana y Turquía) jugarán la primera fase de clasificación en el BEC de Barakaldo, entre el 30 de agosto y el 4 de septiembre. Las autoridades locales no han tardado en mostrar su satisfacción por lo que será un evento deportivo a escala mundial que tendrá un impacto económico importante en el sector de comercios y servicios de Bilbao y Bizkaia.

Sin embargo, no es la primera vez que la selección de EEUU viene a Bilbao. Hace 25 años, cuando se preparaban los Juegos Olímpicos de Seul de 1988, EEUU se enfrentó al combinado español entrenado por Díaz de Miguel en el Pabellón La Casilla; ambas selecciones habían sido oro y plata respectivamente en los anteriores Olimpiadas de Los Ángeles.

Pero no estaban ni ‘Magic’ Johnson, ni Larry Bird, ni Michael Jordan, porque entonces los EEUU, tan superiores a cualquier potencia mundial de baloncesto, podían permitirse el lujo de llevar a las competiciones internacionales más importantes a jugadores promesas universitarios que estaban en la antesala de jugar en la NBA (en lo que se llama el Draft). El resultado final fue de un cómodo 87 a 109 para la Selección USA.

Se pudo ver por La Casilla al almirante David Robinson, a Steve Kerr o a Alonzo Mourning. No obstante, EEUU tan solo alcanzó la medalla de bronce en las Olimpiadas siendo apartada de la final por el equipo de la Unión Soviética, aquel equipo comandado por Alexander Volkov, Homicius y sobre todo por Arvydas Sabonis.

Un año antes, por cierto, el equipo Sabonis, el Zalguiris Kaunas lituano, se enfrentó a mi añorado Cajabilbao también en La Casilla como así lo atestigua esta foto en la que se ve a un joven Arvydas junto a nuestro ídolo local, el norteamericano Joe Kopicki, mítico número 15 del ‘Caja’ (el de la derecha en la foto de aquí arriba).

Esta derrota de EEUU frente a la Unión Soviética, representaba todavía en 1988 mucho más que un partido de baloncesto, como también era bastante más que ajedrez las partidas que enfrentaban a los legendarios Boris Spasski y Bobby Fischer.

Fue de tal magnitud del fracaso estadounidense que para las siguientes Olimpiadas de Barcelona en 1992, EEUU se presentó con toda su artillería, con los citados Magic, Bird, Jordan, los Malone, el gordo Barkley y así hasta los 12 mejores jugadores de la NBA, que constituyó el único y genuino Dream Team.

¿Qué hacemos con Maisie?

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El lunes fui a ver ¿Qué hacemos con Maisie? (Scott McGehee y David Siegel, 2013) que es la historia contada a través de los ojos de Maisie (Onata Aprile), una niña de unos 7 años que está en medio de la guerra que por su custodia emprenden su madre, Susanna (Julianne Moore), y su padre, Beale (Steve Coogan), dos egocéntricos y cínicos padres, demasiado ocupados por su carrera profesional (ella es una estrella de rock y él parece que se dedica a una remunerada actividad profesional que le permite viajar por el mundo), y contemplaremos con desolación los grandes esfuerzos de estos para no tener que ocuparse de su hija.

En apariencia es una historia ordinaria y simple, pero el guión está muy trabajado. Es verdad que el tema de la separación o del divorcio puede estar manido hasta la saciedad, pero lo que hace de esta película algo diferente, es el tratamiento que sus autores (además de sus directores también sus guionistas Nancy Doyne y Carroll Cartwright) le han dado a la historia; el cómo contarlo más que el qué contar.

Aquí vivimos la realidad de la vida de familias reconstruidas pero a partir del punto de vista de la niña (de hecho, la mayor parte del tiempo la cámara se sitúa a la altura de la pequeñaja, adentrándonos a nosotros, espectadores adultos, en su mundo). Maisie está presente en todas las disputas, lo ve todo y guarda silencio, lo único que quiere es unos padres que la quieran y que se ocupen de ella. Es una película, en definitiva, que todos los padres deberían ir a verla y que les debería hacer pensar también.

También se interroga sobre la herencia hedonista y egoísta de una generación, la de los padres de Maisie, cuyo hipismo egocéntrico le permite exonerarse de sus responsabilidades, sin ningún atisbo de arrepentimiento. Aquí Julianne Moore y Steve Coogan están magistrales. Algunas secuencias de ambos con la niña son memorables.

¿Qué hacemos con Maisie? es una adaptación de una novela de Henry James escrita a finales del siglo XIX. Pero sus directores y guionistas han decidido enmarcarla en 2012, un salto temporal que prueba que estamos ante una historia contemporánea y profundamente universal.

El cierre del INAAC y la importancia de las Film Comission

Cuando justamente se cumplen 5 años de la creación de la Fundación INAAC (Instituto Navarro de las artes audiovisuales y de la cinematografía), el ejecutivo navarro de UPN ha decidido cerrarla (junto a otras 7 fundaciones dependientes del gobierno) para “reducir los gastos de estructura de la Administración”.

Esta Fundación tenía cuatro áreas de trabajo hasta ahora que eran dirigir la Filmoteca Navarra, el Festival de Cine Documental Punto de Vista, la Navarra Film Comission y las ayudas a la creación audiovisual cinematográfica. El todavía director-gerente del INAAC, Koldo Lasa, que ocupa además actualmente la vicepresidencia de la Spanish Film Comission (SFC), cargo e influencia que la Comunidad Foral Navarra perderá ante su cese, tiene como foto de perfil en twitter (o avatar) una persiana cerrada a cal y canto. Como tuiteaba el periodista Javier Domínguez es un avatar para enmarcar; una imagen vale más que mil palabras.

En cambio según José Luis Sánchez Muniain, nada más y nada menos que portavoz del Gobierno Navarro, vocal del Comité Ejecutivo del partido regionalista, además de vicepresidente 2º y también consejero de Turismo, Cultura y Relaciones Institucionales, estas actividades que promovía la Fundación INAAC serán asumidas por la dirección general de Cultura y Baluarte: la dirección de la Filmoteca, el Festival Punto de Vista (que será dirigido por la misma persona que en el INAAC, Ana Herrera, dada su condición de funcionaria), las ayudas al cine, que se realizarán en convocatoria pública, serán mantenidas por la dirección general de Cultura y, por último, la promoción de Navarra como escenario de rodajes o, lo que es lo mismo, lo que hacía la Navarra Film Comission, será una labor comercial que liderará el departamento comercial de Baluarte.

Siempre he defendido la cultura como herramienta de promoción para el turismo. En este blog he citado muchas veces que uno de los factores para que las dos ciudades más turísticas del mundo, New York y París, lo sigan siendo, es el apoyo de las autoridades locales para promocionar los rodajes y lo atractivo de su imagen con la difusión de las películas a escala mundial.

No conozco el caso de New York, pero sí el de París, puesto que una de mis mejores amigas, Melanie Chebance, trabaja en Film France (que es el equivalente a la SFC y cuyo director, por cierto, Patrick Lamassoure, es vasco) y me suele contar cómo muchas veces invitan a guionistas y a productores extranjeros de viaje por localizaciones o las innumerables veces que tiene que viajar a los festivales de todo el mundo a seguir “vendiendo” Francia como escenario de rodaje.

Y por supuesto, manejando presupuestos equivalentes a la importante actividad que desarrollan que no es otra que fomentar la industria del cine. Unos presupuestos que seguramente “asustarían” en un país como el nuestro cuyo gasto en las industrias culturales es, como diría Javier Echániz, el chocolate del loro.

Los franceses y los americanos saben que cada euro o cada dólar de gasto en su país tiene un efecto multiplicador en su economía y además tiene consecuencias positivas (y tangibles) sobre la imagen del país y el turismo.

Navarra en los últimos años ha sido escenario de exitosas películas como Las brujas de Zugarramurdi, o Biutiful, o documentales como Encierro en 3-D, La Chanson de Roland, o el mismo Asier eta biok (que está teniendo una merecida y fenomenal respuesta del público). La película en la que yo trabajé, La Conspiración (una imagen del rodaje en la foto de más arriba) no se pudo hacer si no llega a ser con el apoyo del INAAC, y del propio Koldo Lasa y de la entonces encargada de la Navarra Film Comission, Lorea Méndez. Muchas producciones francesas eligen lugares como el desierto de las Bárdenas Reales (en la foto de aquí arriba) tanto para películas de ficción como para spots comerciales.

Las Film Comission son los mejores interlocutores para los productores, para aquellos que decidirán emplazar sus producciones en tal o cuál sitio, ya que conocen las particularidades que rodar una película conlleva, desde su producción hasta su difusión, pasando por la organización de eventos como los ciclos de la Filmoteca o la celebración del Festival Punto de Vista. Que este trabajo sea desempañado a partir de ahora por gente ajena al sector, no puede ser una buena noticia.

Mindscape y el cine de género español

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Ayer fui al pre-estreno de Mindscape una película hispano-americana, dirigida por el guionista y director madrileño Jorge Dorado, que se estrena hoy en las salas de cine. Es la historia de un hombre, John Washington (interpretado por Mark Strong), que con el don de penetrar en los recuerdos de la gente comienza a investigar el caso de una brillante y perturbada adolescente Anna Greene (Taissa Farmiga), y tendrá que dilucidar si se trata de una psicópata o la víctima de un trauma del pasado.

Además de por The Safran Company, Antena 3 y Studiocanal, Mindscape está producida por el cada día más afincado en Hollywood, cineasta barcelonés, Jaume Collet-Serra, y es una estimable película de género, a medio camino entre la ciencia ficción y el thriller.

También está basada en los viajes temporales y en las paradojas que surgen el entrar en la memoria o en las mentes ajenas. En definitiva, Mindscape es la opera prima de un director que ahonda en lo caprichoso de nuestros recuerdos y espero que dará que hablar, como ya lo demostró con su corto nominado al Goya La guerra (co-dirigido con Luiso Berdejo, 2006):

Desde hace algunos años, las películas españolas de género están consiguiendo un notable éxito tanto en el mercado doméstico como en el internacional. Sin ir más lejos, el mismo Jaume Collet-Serra va a dirigir la tercera entrega de Taken (que se llamará Non-stop y será protagonizado de nuevo por Liam Neeson), ahí está el esperado remake de Los Cronocrímenes o el fenomenal éxito internacional de otros títulos anteriores como la saga de Rec, El orfanato, El laberinto del fauno o la Secuestrados de Miguel Ángel Vivas, que tuvo, al igual que Los Cronocrímenes, una gran repercusión en festivales como el de Austin, Texas o también en Sitges como en el caso de Mindscape.

Esta primera película de Dorado sigue esta misma línea; un cine que cuenta con el beneplácito del público, un director de talento y una producción independiente que, aunque sea en versión inglesa, tiene más posibilidades de que sea vista en países de todo el mundo. Y eso es muy importante para nuestro cine.